Itinéraire pour découvrir 3 personnalités féminines dans les musées de Florence
Ce voyage commence dans un passé lointain, sur les traces des dieux préromains, symboles de prospérité (les femmes étrusques étaient déjà très indépendantes et intégrées dans la société à cette époque-là) pour arriver ensuite aux peintures des femmes artistes qui ont laissé derrière elles des œuvres prodigieuses qui « parlent » encore aujourd'hui. Une femme peintre étonnante et rebelle, qui s'est inspirée des œuvres de Caravage, et une religieuse qui, sans l'aide de personne, a appris à peindre des images religieuses aussi bien que les hommes.
Florence rassemble en son sein l'héritage de trois personnalités, l'une symbolique, les autres ayant réellement existé.
Suivez cet itinéraire consacré aux femmes en visitant 3 musées importants pour vous immerger dans les pages de l'histoire de l'art et de l'archéologie que vous ne connaissez peut-être pas encore.
Mater Matuta (littéralement « mère du matin ») était une déesse-mère vénérée comme symbole de bonne chance, une véritable déesse de la fertilité, ainsi qu’une divinité primordiale et de l’aube. Un véritable emblème symbolique du matriarcat. Lucrèce la mentionne également dans le De rerum natura (« Ainsi, à une heure fixe, Matuta asperge les rivages de l'éther de la lumière rosée de l'aube et disperse la lumière »). En son honneur, on célébrait les Matralie, des fêtes auxquelles participaient des femmes libres, vierges ou mariées.
Au Musée archéologique de Florence, il est possible de trouver une belle sculpture cinéraire de Mater Matuta provenant de la région de Chiusi-Chianciano Terme et datant de l'art étrusque du Ve siècle avant Jésus-Christ. Les statues cinéraires sont généralement des sculptures rondes dont la tête dissimule une petite cavité destinée à accueillir les cendres d'un défunt.
La figure féminine a les cheveux relevés et retenus par un ruban. Elle porte une robe drapée, avec de larges plis au niveau des genoux, et est assise sur un trône dont les bras sont en forme de sphinx et elle tient un bébé enveloppé dans un lange. D'autres sculptures similaires sont connues dans l'Antiquité, par exemple à Rome, où il y a le temple de Mater Matuta qui se trouve près du port du Tibre pour protéger la principale route commerciale, ce qui suggère à quel point cette divinité était vénérée.
Mater Matuta (littéralement « mère du matin ») était une déesse-mère vénérée comme symbole de bonne chance, une véritable déesse de la fertilité, ainsi qu’une divinité primordiale et de l’aube. Un véritable emblème symbolique du matriarcat. Lucrèce la mentionne également dans le De rerum natura (« Ainsi, à une heure fixe, Matuta asperge les rivages de l'éther de la lumière rosée de l'aube et disperse la lumière »). En son honneur, on célébrait les Matralie, des fêtes auxquelles participaient des femmes libres, vierges ou mariées.
Au Musée archéologique de Florence, il est possible de trouver une belle sculpture cinéraire de Mater Matuta provenant de la région de Chiusi-Chianciano Terme et datant de l'art étrusque du Ve siècle avant Jésus-Christ. Les statues cinéraires sont généralement des sculptures rondes dont la tête dissimule une petite cavité destinée à accueillir les cendres d'un défunt.
La figure féminine a les cheveux relevés et retenus par un ruban. Elle porte une robe drapée, avec de larges plis au niveau des genoux, et est assise sur un trône dont les bras sont en forme de sphinx et elle tient un bébé enveloppé dans un lange. D'autres sculptures similaires sont connues dans l'Antiquité, par exemple à Rome, où il y a le temple de Mater Matuta qui se trouve près du port du Tibre pour protéger la principale route commerciale, ce qui suggère à quel point cette divinité était vénérée.
Les féministes du monde entier considèrent l'art d'Artemisia Gentileschi comme un manifeste de libération du patriarcat. L'acte héroïque de Judith a conduit Israël à la libération de son peuple. Après s'être présentée dans le camp d'Holopherne, chef de l'armée ennemie, Judith mène une tentative de conciliation et d'alliance. Holopherne, frappé par sa beauté, l'invite au banquet dans sa tente. Une fois qu'il s'est endormi, ivre de vin, « Dieu l'a frappé par la main d'une femme » (citation de la Bible) : Judith lui vole son sabre et le décapite.
Dans le célèbre et puissant tableau conservé dans la Galerie des Offices et datant d'environ 1620, Artemisia Gentileschi dépeint une Judith vigoureuse et intrépide qui saisit la tête d'Holopherne par les cheveux et lui assène le coup fatal. La présence de sang jaillissant copieusement souligne le caractère sanglant du geste.
Outre la représentation d'un épisode biblique, l'œuvre symbolise le choix (pas facile) d'une femme qui a voulu devenir artiste dans un monde dominé par les hommes, en se taillant une place dans l'histoire grâce à son talent. Il faut préciser qu'elle a été la première femme à entrer à l'Académie des Beaux-Arts de Florence.
Les féministes du monde entier considèrent l'art d'Artemisia Gentileschi comme un manifeste de libération du patriarcat. L'acte héroïque de Judith a conduit Israël à la libération de son peuple. Après s'être présentée dans le camp d'Holopherne, chef de l'armée ennemie, Judith mène une tentative de conciliation et d'alliance. Holopherne, frappé par sa beauté, l'invite au banquet dans sa tente. Une fois qu'il s'est endormi, ivre de vin, « Dieu l'a frappé par la main d'une femme » (citation de la Bible) : Judith lui vole son sabre et le décapite.
Dans le célèbre et puissant tableau conservé dans la Galerie des Offices et datant d'environ 1620, Artemisia Gentileschi dépeint une Judith vigoureuse et intrépide qui saisit la tête d'Holopherne par les cheveux et lui assène le coup fatal. La présence de sang jaillissant copieusement souligne le caractère sanglant du geste.
Outre la représentation d'un épisode biblique, l'œuvre symbolise le choix (pas facile) d'une femme qui a voulu devenir artiste dans un monde dominé par les hommes, en se taillant une place dans l'histoire grâce à son talent. Il faut préciser qu'elle a été la première femme à entrer à l'Académie des Beaux-Arts de Florence.
Polissena de' Nelli, plus tard connue sous le nom de Plautilla, est entrée au couvent de Santa Caterina à l'âge de 14 ans. C'est là que la moniale dominicaine, totalement autodidacte, s'exerce à l'art de la peinture, copiant œuvres et dessins et utilisant ses sœurs comme modèles. Elle n'a jamais travaillé dans un atelier et n'a jamais suivi de cours de dessin anatomique (interdit aux femmes à l'époque).
Plautilla a su produire des œuvres grandioses et très appréciées, notamment sur le plan religieux. Sa Cène est l'un des tableaux les plus importants de l'histoire de l'art. Cette peinture extraordinaire est la première et peut-être la seule représentation du Cénacle par un artiste ayant vécu pendant la Renaissance. Cette œuvre de grande envergure (7 mètres de long et 2 mètres de haut) met en scène des personnages peints grandeur nature.
Grâce à d'importants travaux de restauration, l’œuvre peut désormais être appréciée de tous à l'intérieur du musée de Santa Maria Novella.
Polissena de' Nelli, plus tard connue sous le nom de Plautilla, est entrée au couvent de Santa Caterina à l'âge de 14 ans. C'est là que la moniale dominicaine, totalement autodidacte, s'exerce à l'art de la peinture, copiant œuvres et dessins et utilisant ses sœurs comme modèles. Elle n'a jamais travaillé dans un atelier et n'a jamais suivi de cours de dessin anatomique (interdit aux femmes à l'époque).
Plautilla a su produire des œuvres grandioses et très appréciées, notamment sur le plan religieux. Sa Cène est l'un des tableaux les plus importants de l'histoire de l'art. Cette peinture extraordinaire est la première et peut-être la seule représentation du Cénacle par un artiste ayant vécu pendant la Renaissance. Cette œuvre de grande envergure (7 mètres de long et 2 mètres de haut) met en scène des personnages peints grandeur nature.
Grâce à d'importants travaux de restauration, l’œuvre peut désormais être appréciée de tous à l'intérieur du musée de Santa Maria Novella.